Leímos recientemente “Cobalto”, obra de Pablo De Santis al guion y dibujos del extraordinario Juan Sáenz Valiente. Fue publicada por “Hotel de las ideas” y, a pesar de que soy fana de Valiente (Ya comentamos varias de sus obras por acá como “Juan Sáenz Valiente: El cómics”: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid025T2vdeR5PEVbKySu77mGR4G5KEZDuMLba3Ma32jkPWQ77o1iuNw2s84MAoEqPVfxl; sus fanzines reunidos en libro bajo el título “Conjuntivitis”: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid0nJ8VHLnDwQJC43hK8J7QEfzRkrvtJSngiXi7ksLm18vaeHqjiw3QbZ68BZi32jyhl; su ópera prima realizada en colaboración con el legendario Carlos Trillo llamada “Sarna”: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid02vR3TuFwMUT5RduQT7vLsXrrBVfvBgDXCatyYDFEPSY3zQGabnB4QEmL5wHtruYGTl, o “La Sudestada” que recomendamos sobre el final del podcast #50 de Archivo de Cómics, y que hasta el momento es su mejor obra a mi criterio.), esta Historieta me había sido esquiva. Sin embargo, esta situación se revirtió gracias a la generosidad del amigo Ted Kord, quien me la regaló en la última Crack Bang Boom! en que coincidimos (De donde la obtuvo él y bajo qué circunstancias, es un secreto que quedará encerrado bajo cuatro llaves por siempre). La leímos recientemente y, como es costumbre, pasamos a hacer el comentario de rigor.

 

Cobalto es un hombre entrado en años y dueño de un físico tan voluminoso como musculoso. Es boticario en la farmacia de su ciudad, la cual es habitada por personas mayores de edad, de la que la juventud escapa. Una ciudad que se ha vuelto oscura y abandonada con el paso del tiempo. Una noche de regreso a casa, es abordado por unos delincuentes a los que despacha con notable solvencia. Al día siguiente, se presenta en su farmacia el señor Cobre, quien le avisa que debe volver al servicio. Resulta que Cobalto fue una especie de agente secreto en su juventud, el más efectivo entre sus pares, y había sido licenciado años atrás por su jefe, el Señor Zinc. Ahora debe volver al servicio contra su voluntad. Cobre lo pone al corriente de la situación. Debe llevar adelante una lucha contra la oscuridad que está envolviendo la ciudad la que, lejos de ser un hecho natural, es causada por el accionar de cuatro sujetos inmortales a los que deberá eliminar. Llegaron a la inmortalidad gracias a un descubrimiento hecho por el Doctor Jarman, quien descubrió una especie de alga que, como si de un simbionte se tratara, se extiende por el cuerpo anfitrión y le da una longevidad extrema.

Uno a uno, Cobalto los ira enfrentando buscando cumplir con su deber, entender bien qué es lo que sucede y, por supuesto, sobrevivir a cada una de los choques, para lo que deberá recurrir a todas las herramientas que la experiencia y una innata habilidad para la tarea le han otorgado…

 A lo largo de 50 páginas, el experimentado Pablo De Santis lleva a cabo una historia que, si bien cae en algunos lugares comunes y no tiene tantos giros imprevistos, atrapa al lector desde las primeras escenas. Hay un aire deprimente en el protagonista y su entorno, en su rutina diaria y en sus clientes, que resulta magnético y, un poco más tarde, contrasta con su accionar como agente secreto, poniendo en riesgo la vida en cada enfrentamiento.

Destacan cada uno de los villanos a los que Cobalto tiene que enfrentar y las locaciones de esta extraña ciudad donde montaron guarida. De Santis pone muy buenos diálogos y, aunque algo escueto por la extensión de la obra, se establece claramente el mundo de Cobalto y su relación con el resto de los personajes que lo circundan.

Pero el que se lleva todas las palmas es Juan Sáenz Valiente que hace todo bien. El diseño de los personajes es excelente, con un estilo caricaturesco y exagerado que logra darnos una idea exacta de quién y cómo es cada personaje con solo ver la fisonomía y la expresión corporal que les otorga. Pero, a pesar de contar mucho desde el diseño, lo hace economizando los recursos, simplificando las líneas, sin cargar demasiado las viñetas y plantando en página un estilo efectivo y bellísimo. Las puestas en páginas, los enfoques, las expresiones y la narrativa son perfectas por donde se las mire. También es muy interesante el trabajo que hace con el color, utilizando solo cuatro (Azul, rosa, morado y sepia) en tonalidades opacas, a los que emplea de a pares por escena combinándolos con el blanco y negro (Una escena en azul y rosa, otra en morado y sepia, etc.). Con el color también completa los dibujos. Por ejemplo, pone árboles en algunos fondos directamente con el color, algunas rejas, partes de los cuerpos, vestuario, etc. Un trabajo redondo de un artista por quien tengo fascinación.

 

El libro se complementa con tres historias cortas de la misma dupla en las que se puede ver la versatilidad de ambos autores. De Santis propone situaciones muy creativas, a las que desarrolla bien en el espacio reducido, y notablemente distintas entre si (Un auto desde el que se puede ver gente muerta, un escritor de policiales que escribe exhibido en una vidriera o una lapicera que solo permite escribir historias tristes). Mientras que en las páginas de cada una de estas historias se puede ver la facilidad que tiene Sáenz Valiente para cambiar de estilos y técnicas, pero manteniendo siempre la misma calidad.

Como todo el catálogo de “Hotel de las Ideas” (Así como el del resto de las editoriales chicas del país), esta obra se puede conseguir con facilidad y a un precio accesible, por lo que la recomendamos efusivamente.

“Los problemas de la juventud sin las energías de la juventud.”

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Todos los lectores que formamos parte de la “Generación Perfil” tenemos un vínculo especial con la saga “Hora Cero: Crisis en el tiempo”. Editorial Perfil había anunciado un plan de renovación editorial en su línea DC Cómics, arrancando con la publicación de esta saga para el 31 de Mayo de 1995, pero lamentablemente la editorial canceló su vínculo con DC y nunca llegó a salir (Ya hablamos un poco de esto por acá: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid02gg8qGgibeCgjkgeTRPnM1bSSKG37viuuGFteXYNSHrqPvosDcX2WT4FNLg7gUXzgl). Además de esta promesa incumplida, la saga nos es cercana porque para muchos de nosotros fue el primer evento DC que vivimos en tiempo real. Para cuando comenzamos a interiorizarnos con cierta rigurosidad y regularidad sobre el Universo DC, las sagas “Crisis en Tierras Infinitas”, “Legends” y “Milleniumm” ya tenían varios años de haber sido publicadas y se comentaban entre los lectores casi como material de culto. “Invasión” también nos resultó importante porque la tuvimos en edición nacional, pero como se publicó en Argentina varios años después que en Estados Unidos, ya sabíamos también de que se trataba más o menos por algún artículo o algún tie-in leído de mano de Ediciones Zinco. Pero con “Hora Zero” todo fue distinto porque se empezó a delinear, promocionar y publicar cuando ya estábamos metidos del todo con los cómics, y seguimos de cerca cada uno de sus pasos. El anuncio de la edición nacional nos entusiasmó a todos tanto como nos golpeó la desaparición de los cómics DC/Perfil. De todos modos, al poco tiempo podíamos conseguir la saga fácilmente, ya sea en los tomos de Ediciones Zinco o Grupo Editorial Vid como en las revistas originales que en aquellos locos años del 1 a 1 se veían por todos lados… Muchos años más tarde, Ovni Press le regala a la Generación Perfil la primera edición nacional de la célebre “Hora Cero” y, con muy buen criterio, la distribuyeron el 31 de Mayo del 2021 (Al fin y al cabo, 26 años no son nada…). Es este el tomo que hemos leído recientemente y que, con la mayor brevedad posible, pasamos a comentar.

 

La complejidad en que se sumió el universo DC con el concepto del multiverso, se simplificó con el relanzamiento que supuso la “Crisis en Tierras Infinitas” (Que también a causa de una edición de Ovni Press comentamos por acá: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid02sE3Kzhn2ygBUdVxnQcWXJjUXmaMoMGs9CqA1vueGuMwynm648BKEs9G7wCCwpLeUl ). Un universo nuevo nace en la era post-crisis e, ignorando ciertas incongruencias (Algunos recordaban la Crisis y otro no, algunos arrancaban de cero y otros continuaban las historias pre-crisis, etc.), el Universo DC era más accesible para nuevos lectores. Sin embargo, con el correr de los años las contradicciones volvieron a aparecer. Mantener la coherencia y continuidad en un universo ficcional y en constante expansión, con cientos de títulos publicados cada año es, por lo menos, una tarea hercúlea (Tomá mate!). Dan Jurgens lo nota al dibujar el #21 de Green Arrow escrito por Mike Grell, cuando el querido Ollie celebraba su cumpleaños número 45. Dan se puso a pensar en qué edad tenía el resto de los héroes si Green Arrow había llegado a los 45. A que edad quedó varado en la isla, cuando debutó como vigilante, como afectaba esto a las primeras apariciones de todos los demás, cómo quedaba parada la JSA en este contexto, porqué envejecía Hal Jordan (Con canas en las sienes en esta época), porque los adolescentes se volvían adultos (Dick Grayson, Wally West, etc) mientras que Batman y Superman parecían no envejecer y demás cuestiones similares.

Con cada pregunta que se planteaba, nuevas incongruencias aparecían y la continuidad hacía agua por muchos lugares. Por eso, en 1993, Jurgens le expone todos estos problemas con el tiempo ficcional a Mike Carlin, quien junta a Dan con el editor KC Carlson, que también venía notando estos asuntos. Juntos se ponen a pensar en como solucionarlo y deciden arreglar el tiempo con una nueva “Crisis en el tiempo”. Delinean la miniserie que se extendería por 5 entregas semanales en cuenta regresiva (Del número 4 al 0), tendría muchos tie-in´s y en cada colección mensual habría un #0 enlazado con la saga.

La historia arranca como una suerte de secuela de “Armageddon 2001” (Saga del 91 en la que Waverider descubre que Hawk (Hank Hall) se daría vuelta como una media volviéndose el villano conocido como Monarca), cuando Monarca evoluciona al comprender que es la fusión de Hawk & Dove y, cambio de vestuario mediante, se hace llamar Extant. Con el poder obtenido, Extant comienza a eliminar la existencia con una ola de antimatería que se acerca al presente desde los extremos del tiempo. Este evento altera el flujo temporal y las barreras entre pasado, presente y futuro se rompen, por lo que personajes de todas las épocas y líneas temporales alternativas comienzan a aparecer en el presente. El viajero temporal Waverider vivencia de primera mano el avance de la antimatería en el futuro viendo morir a Flash (Wally West) y a un joven Hal Jordan, para terminar reunido con la JSA en el presente. Por su parte, Superman & Batman son abordados por el Nuevo Dios Metron, quien los urge a convocar a todos los héroes del mundo para enfrentar la amenaza.

Dividiéndose en grupos, los héroes enfrentan distintos focos de amenazas con mayor o menor suerte, hasta que llegan a combatir al propio Extant. Cuando parece que tienen alguna posibilidad de vencerlo, son detenidos por la verdadera mente maestra detrás de la presente destrucción del tiempo, que no es otro que el mismísimo Parallax.  Tras la destrucción de Ciudad Costera en “Reign of the Supermen” (Que hemos comentado por acá: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid02vChgD81ijJH8MwxjATrjtoPC7hrdLseHd9DMPkmf2CexBa6Mgq6RwK3xQz7j1z7Rl ), Hal Jordan se vuelve uno con la batería central de Oa, convirtiéndose en un ser de inmenso poder conocido como Parallax. Su objetivo es eliminar la línea temporal y reestructurarla cambiando algunos eventos para que la destrucción de su ciudad natal nunca haya sucedido, entre otras cosas que, ya que estamos, las cambiamos también. Sin que nadie pueda detenerlo, Parallax destruye completamente el tiempo llevándose consigo a algunos héroes fuera del tiempo. Por su parte, Waverider también logra salvar un puñado de valientes y llevarlos a Punto de Fuga (Base de operaciones fuera del tiempo de los Hombres Lineales). Desde allí, trazarán un nuevo ataque contra Parallax buscando revertir la situación, generar un nuevo Big Bang y dejar que la realidad se acomode naturalmente sin la intervención de Parallax, Extant ni ningún otro ególatra.

La oportuna intervención de Spectre, dará la puntada final para ayudar a los héroes a recomponer el tiempo…

 

Al final de la historieta, en todas sus ediciones, hay una nueva cronología del Universo DC, acomodando los tiempos, las apariciones de cada uno de los personajes y el momento y lugar que ocuparon cada uno de los eventos relevantes. Después de esta “Hora Cero”, el Universo volvía a cohesionarse ordenando sus hechos de manera plausible (Para un universo ficcional lleno de aliens, magos, tecnologías imposibles y super seres, claro está).

Dan Jurgens, que ya estaba al frente del título Superman, se hace cargo de guion y dibujo de toda la saga. Tengo tanto cariño por esta Historieta que me es imposible alejarme lo suficiente para tratar de ser objetivo al opinar sobre ella, pero intentando no exagerar, la historia está muy bien contada, es entretenida de principio a fin, tiene algún que otro momento cargado de alta epicidad y cumple su cometido de encontrar una excusa que permita reestructurar la línea temporal. Lo más divertido de la historia son los cruces en las líneas temporales que, por que el tiempo es tirano, no se puede explorar demasiado en las cinco entregas de la saga, pero que sí se hizo en los tie-in´s. Por suerte la presente edición trae muchos de ellos, números de Batman, Superman, Green Arrow, The Man Of Steel, Superboy y Robin, donde aparecen personajes de otros tiempos u otras realidades a complicarles el día a los héroes. Además, se incluyen los números 0 de Flash y Green Lantern que cuentan una suerte de epílogo para algún cabo suelto que no se resuelve en “Hora Cero”.

Jurgens siempre me pareció un artista correcto, pero nada virtuoso a la hora de dibujar, que para lograr un buen resultado debía poner mucho esfuerzo y, ante la menor distracción, hacía agua en alguna que otra viñeta. Para “Hora Cero” debió tener un entusiasmo especial porque el resultado es de lo mejor que le he visto y, a pesar de que tiene buen nivel en general, cada vez que aparece Superman la vara se eleva. La relación entre Jurgens y Superman además de artística es sentimental y el hombre de acero resalta en cada página en que aparece. Más allá de sus méritos y logros, Jurgens nació para dibujar a Superman.

Además de la palabra “Crisis” que las une y de la amenaza de nivel cósmico que les es común, “Hora Cero” y “Crisis en Tierras Infinitas” tienen a Jerry Ordway aplicando tintas como nexo. Lo dijimos cuando comentamos “Crisis en…” pero repetimos, Ordway es un gran artista, con un estilo muy marcado al que impone siempre, aunque solo se encargue del entintado. Tanto es así que algunas páginas parecieran estar completamente dibujadas por él. Es probable que Dan Jurgens aquí, como George Peréz allá, al saber que Ordway estaba en el equipo hayan abocetado algunas páginas a sabiendas de que Jerry iba a saber cómo terminarlas… Lo cierto es que el tándem Jurgens-Ordway hacen un gran trabajo en esta epopeya.

Terminamos elogiando la edición de Ovni Press que tiene una gran calidad, buena traducción y una sobrecubierta con loguito que se asemeja al de Editorial Perfil, como para que aquellas viejas heridas terminen de cerrar.

 

 

“Y no estoy loco en absoluto. Soy el hombre que siempre fui… Y por eso, tengo el coraje necesario para corregir las cosas.”

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La editorial Redbook, bajo su sello “Manontroppo”, publicó una serie de biografías de bandas y músicos de la cultura popular en forma de historieta, las cuales fueron editadas originalmente por Omnibus Publishing. Recientemente conseguimos el tomo dedicado a Kurt Cobain, el legendario cantante y compositor de Nirvana, miembro del tristemente célebre “Grupo de los 27”. Esta historieta es obra de Barnaby Legg & Jim McCarthy en guiones mientras que los dibujos cayeron en las manos de un desconocido Flameboy (?). La leímos en estos días y vamos a comentarla.

Soy un confeso fan de Nirvana y de Kurt en particular. Seguí su obra, su vida y debacle casi en tiempo real y, tras su muerte, continuó mi interés. Esto me llevo a leer mucho sobre su vida hasta llegar a la que probablemente sea su más completa y exacta biografía. Me refiero al libro “Heavier than Heaven” escrito por Charles Cross. Cross fue el biógrafo que más investigo vida y obra de Kurt logrando que a través de su libro no solo conozcamos los 27 años de historia del músico, sino que también nos permite descubrir su mundo interno, su forma de sentir y pensar, sus debilidades, pasiones, dolores, adicciones y el gran talento artístico que tenía, no solo en lo musical, si no también como artista plástico. Esta biografía tiene su “Companion” ideal en un segundo libro publicado por el mismo autor, llamado “Cobain íntimo”, donde muestra con más profundidad esa otra faceta artística de Kurt, e incluye reproducciones de escritos y dibujos complementados con una increíble cantidad de fotos.

Comento esto porque, teniendo este bagaje, cualquier biografía que no sea exhaustiva, me resulta insuficiente. Sobre todo, en un marco limitado como es la restricción de páginas impuesta para la edición… A pesar de esto, Legg y McCarthy hacen un recorrido por algunos de los hechos más importantes en la vida del músico haciendo un resumen aceptable.

La obra comienza en la infancia de Kurt y en pocas páginas nos muestra las dos facetas que le tocó vivir en ese entonces. La soñada vida infante en el seno de una familia amorosa, entre juegos, música y tambores, como así también el fuerte tormento que le produjeron las constantes discusiones de los padres con su subsiguiente divorcio, hecho que traumó notablemente al niño. Sus padres rápidamente forman nuevas familias y Kurt, de pronto se queda sin un lugar al que llamar hogar…

Vemos como lo empieza a seducir el concepto del suicidio, al tiempo que crece la rabia, el dolor y el rencor en su interior. Deambulando por Seattle, descubre la música punk, con la que puede dar salida al dolor con micrófonos, guitarras y parlantes distorsionados, encontrando el canal perfecto para dar rienda suelta a su creatividad.

Empieza a escribir canciones, a formar sus bandas, a desafiar la ley y a consumir drogas… Se enamora y se separa, aparece el sello Sub Pop para la grabación del primer disco. Comienzan a recorrer distintas ciudades, algunos antros, a ser banda soporte… Y luego, para ahorrar espacio, vemos el meteórico ascenso de Nirvana en una sola página…

Las giras, más drogas y la aparición de Courtney Love en su vida con casamiento y embarazo incluidos… El desbocado ritmo que llevaba Kurt, sumado a su constante e intenso dolor de estómago, intenta buscar un freno con el nacimiento de su única hija, Francis.

Pero la adicción fue siempre más fuerte y, a pesar de pasar por rehabilitación en varias oportunidades, siempre volvía al consumo. Pierden y recuperan la tenencia de la niña, compran una casa para intentar formar un hogar, pero las drogas siempre estaban allí para Kurt. En algún momento de lucidez, nota que, gracias a las constantes discusiones que mantenía con su esposa, la infancia de Francis podría llegar a ser tan horrible como fue la suya…

Velorio por televisión en el Unplugged de Nirvana, y a las pocas semanas, el desenlace fatal en el garaje de su casa con una enorme sobredosis de heroína que lo hubiese matado, pero reforzado con un escopetazo en la cara para no fallar en el intento de suicidio…

Como dijimos antes, lo que los autores pueden hacer con la limitante de espacio, no puede ser otra cosa que un resumen. Pero es un resumen bastante bien llevado, con algunos pasajes demasiado reducidos como para contener tanta información, pero que se apoya en los hechos más significativos tanto de la vida privada como pública del músico.

Hacen aparecer en la infancia y a la hora del suicidio a un amigo imaginario de Kurt, con la forma de pequeño duende, sobre el que habló alguna vez, pero nunca como una constante en su vida. Esto me resultó un recurso bastante inútil y que puede llegar a dar un mensaje confuso. Quien lea esto puede pensar que Kurt desvariaba mentalmente, cuando no era así (Al menos, en los momentos en que conservaba su lucidez).

Por otra parte, reducen la decisión de suicidarse de Kurt a no querer arruinar la infancia de la hija, cuando en realidad, ese fue solo uno de los muchos motivos que, a lo largo de su vida, fueron llevando a Cobain hacia ese final. Un final que ya había anunciado en muchas oportunidades y tenía carácter de inevitable…

Por su parte, Flameboy hace un buen trabajo de investigación para decorar todos los lugares por donde se mueve Kurt con mucha fidelidad. Además, adorna los ambientes en los que vivió con posters, grafitis y aquellas obras plásticas hechas por Cobain que antes comentábamos, con bastante exactitud. También en las vestimentas se nota la correcta documentación del artista, pero a pesar de todo el esfuerzo que realizó, no me parece un buen dibujante para esta obra…

No tiene precisión en los diseños de los personajes por lo que van mutando en su fisonomía de una viñeta a la otra. Los gestos y los movimientos de los cuerpos son tan exagerados y grandilocuentes que me remontan al registro usado en títulos de superhéroes. El tono del dibujo y la composición de páginas es más cercano a un título mutante de la década del 90 que a una biografía de estas características, donde se espera otra cosa (O al menos, yo espero algo distinto). En ciertos pasajes, el guion propone algunas imágenes poéticas o metafóricas para contar algún estado en Kurt o un momento de su vida, y Flameboy lo retrata de manera tan tosca que pierde todo el vuelo propuesto…

Con el color tiene sus más y sus menos. Cuando colorea las páginas a un solo color con algún que otro detalle, crea muy buenos climas que ayudan a sentir lo que está sucediendo en la escena. Por otra parte, cuando intenta hacer un coloreado más realista vuelve a lo mismo de antes… mutantes de los 90 (Que me gustaban mucho, pero eran otro tipo de historias donde ese registro funcionaba mejor que aquí).

Linda edición de Redbooks, en tapa blanda y tamaño reducido (Tipo Ovni Press), con buena calidad de papel e impresión…

“I'm worse at what I do best, and for this gift I feel blessed…” (Kurt Cobain, “Smells like teen spirit”)

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Ya he confesado el fetichismo que tengo para con las adaptaciones de películas a la Historieta, es una debilidad que no controlo y me lleva a leer cualquier cosa de este calibre, incluso cuando sospecho de antemano que puede no gustarme… En el segundo lustro de la primera década de este milenio, “Cómics Conosur” y “Gárgola Ediciones” había unido sus fuerzas para resistir el nuevo embate de importaciones que llegaba de la mano de Panini (Aunque fuera a durar muy poco tiempo), y tomaron algunas licencias de Dark Horse y otras de IDW. Consciente del inminente estreno de la película “Transformers”, dirigida por ese criminal imperdonable conocido como Michael Bay, y especulando con un éxito de la franquicia (Que evidentemente se dio, porque tuvo varias secuelas…), publicaron la adaptación oficial y una precuela en dos partes. En su momento conseguí la adaptación y solo una de las entregas de la precuela, pero recientemente di con el tomo que me faltaba por lo que finalmente leímos completa la secuela y, pidiendo perdón de antemano, la vamos a comentar con extrema brevedad.

 

La historia comienza con los últimos embates de guerra en Cybertron entre Autobots y Decepticons. Megatron está obsesionado con obtener la Matriz y no le importa destruir totalmente el planeta con tal de conseguirla, aprovechando la notable superioridad que tiene sobre los Autobots. Consciente de la posible derrota que sobre ellos se cierne, Optimus Prime decide lanzar la Matriz al espacio profundo para alejarla de Megatron, para lo cual le pide a un escuadrón de Autobots liderados por Bumblebee, que distraigan a los Decepticons el tiempo suficiente para que puedan realizar el lanzamiento.

Aunque el plan se lleva a cabo con éxito y los villanos son demorados lo suficiente, Megatron se lanza al espacio siguiendo el rastro de la Matriz que viene a dar al planeta Tierra. Con las últimas reservas de energía, el líder de los Decepticons aterriza en el círculo polar ártico, hundiéndose en las aguas heladas y quedando preso del hielo por años…

En Cybertron, los Autobots deciden salir al espacio en busca de la Matriz en distintas expediciones y Bumblebee, que en la pelea con Megatron perdió su capacitor vocal quedando mudo, se ofrece como voluntario para salir entre los primeros cosmonautas.

En 1897, el Capitán Archibald Witwicky (Antepasado de Sam), descubre a Megatron en el hielo, queda poseído y dibuja extraños gráficos en muchos papeles. Lo declaran loco, lo encierran y le devuelven sus pertenencias a la familia. Sin embargo, una agencia gubernamental vuelve al círculo polar y extraen a Megatron que queda en poder del gobierno. En 1902 en Colorado, la misma agencia da con la Matriz. En el año 2003 Bumblebee llega a la Tierra siendo detectado por varios satélites…

La agencia tiende una trampa con una réplica de la Matriz, para que Bumblebee sea atraído por la signatura energética que emite. Pero la misma trampa atrae a otros Decepticons recién llegados a la Tierra que venían persiguiendo al Autobot amarillo.

Mientras tanto, Sam Witwicky recibe de su padre la herencia de su Tatara tatara abuelo Archibald, una caja llena de papeles, una pipa y un par de lentes. El muchacho piensa subastar todo en internet para comprase un auto… Todos estos asuntos se resuelven en la película (O su adaptación, claro…)

Esta Historieta tiene guion Chris Ryall & Simon Furman, mientras que el dibujo es responsabilidad de Don Figueroa (Mucho gusto a los tres, no los conocía…). Básicamente le dan imagen a todas las situaciones que se mencionan en la película, pero no se muestran, la guerra en Cybertron, la expedición del antepasado de Sam, la llegada de Megatron y Bumblebee a nuestro planeta, las expediciones de los Autobots al espacio, etc. O sea, habiendo visto la peli antes, es poco y nada lo que aporta esta Historieta. Sin embargo, los Transformers tiene un rol mucho más protagónico aquí que en la película, donde son meros personajes de reparto en una comedia de enredos protagonizada por Shia LaBeouf y Megan Fox. Cumple con su cometido, es llevadera, pero al mismo tiempo es absolutamente prescindible…

Viendo las primeras secuencias que transcurren en Cybertron, parece que Don Figueroa es lo mejor de esta obra. Si bien está obligado a usar los espantosos diseños que los Transformers tienen en la peli, los reproduce con solvencia, les da flexibilidad y logra que esos cuerpos robóticos se vean plausibles en cuanto a sus movimientos y funcionalidad. Sin embargo, hace agua dibujando humanos regulares… Falla con los cuerpos, los diseños, las expresiones, las posiciones y las perspectivas. Cuando dibuja robots la rompe, cuando dibuja personas parece un amateur dando sus primeros pasos… Una de cal y una de arena para Figueroa.

Para cerrar, quiero dejar constancia que no me gustaron las películas de Michael Bay, por que puso a los Transformers en un segundo plano en su propia peli, quiso arreglar algo que no estaba roto en cuanto a los diseños de los personajes y los terminó arruinando y además, como si estropear esta franquicia no fuera suficiente, años más tarde produjo dos pelis de las TMNT con diseños todavía más feos. Por todo esto, Bay está en las primeras posiciones de mi escala de enemigos de la humanidad, junto a Joel Schumacher y Nik.

 

“Dicen que soy un héroe. Yo digo… que cumplí con mi deber.”

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Dentro de su línea “Grandes autores”, ECC le dedicó un volumen a recopilar las colaboraciones que el extraordinario Dave McKean tuvo dentro del sello Vertigo. Ya hemos comentado algunos de los libros de esta colección por acá, como el Batman de Englehart & Rogers (Que dejamos aquí: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid03NTpa1L9Lj9GZoHHiSddfU8Qb2wuoKMwkwVjEp82T6TGzkdfPrYR2x5oxAyNWWJ3l), o el de O´Neil & Adams (Con aquel “Top 5” dedicado a Neal: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid0252MBCj671sWeJipoUQJSp1ETPD9VhkpLQojZS7faxNcnB3KFj4hW5J58P9swNhaYl), y ahora es el turno de repasar el contenido del presente volumen.

 

El primero en la lista es el #27 de la cabecera “Hellblazer”, donde se publica el célebre “Abrázame”, con guion de Neil Gaiman. John Constantine abandona una fiesta acompañado de una dama que tiene planes de corte sexual en los que John es protagonista… Pero se distrae con los fantasmas de personas que murieron de frio años atrás…

Pasamos al #40 de la misma colección, cuando Jamie Delano escribe “El mago”, historia que narra en paralelo el nacimiento de gemelos, uno saludable y otro enfermizo, al tiempo que se cuenta el encuentro final entre John Constantine y su contrahecho reflejo. El tiempo cíclico, la dualidad de las personas y la importancia de las decisiones son algunos de los temas que se tocan en solo 24 páginas.

Con guion de Grant Morrison y extraído del “Fast Forward #1”, continua la genial “Un vaso de agua”. Una mujer de mediana edad habla todo el tiempo con un interlocutor que bien podría ser el lector. Va contando fragmentos de su cotidianeidad, su oficio de bibliotecaria y cada tanto se remonta al pasado dejándose llevar por los recuerdos, para volver al presente tras algún silencio. Su forma de entender la vida, de reaccionar al amor, a las acciones de los jóvenes, sus sueños románticos y el camino que la lleva a tomar una fuerte decisión quedan reflejados en un extraordinario trabajo de McKean.

Neil Gaiman & Dave Mckean vuelven a unir fuerzas para la breve pero imprescindible “Muerte habla sobre la vida”. Historia en que la hermana de Morfeo da una magistral clase de educación sexual con la inestimable asistencia del encantador John Constantine y su banana.

Del “Dust covers: The Collected Sandman Covers” y obra de la misma dupla, se incluye “La última historia de Sandman”, que no cumple con lo que el título promete. En realidad, es una narración de Gaiman sobre como conoció la leyenda de Morfeo, como comenzó a creer en él siendo niño y las veces que, durante el proceso creativo de la serie, se encontró en la vida real con diversos personajes salidos de su mente. Estos textos se acompañan con dos ilustraciones por página de McKean.

Da cierre al libro la historieta “Un pez fuera del agua”, publicada originalmente dentro del libro “Dream States” que recopilaba todas las portadas que Dave hiciera para Sandman. Nuevamente con Gaiman al guion, esta historieta refleja un viaje onírico de Neil, viéndose obligado a cuidar un pez embarazado, al tiempo en que las barreras entre sueño y vigilia se vuelven difusas…

 

Cuando conocí el trabajo de Dave McKean, primero en las portadas de Sandman y más tarde con el “Arkham Asylum”, me resultó extraño, inquietante y algo repelente. Tal vez porque en esos años de juventud, debido a las lecturas que frecuentaba, uno estaba acostumbrado a que le den todo servido, a que el lector no tenga que poner mucho de su parte ni se sienta interpelado en ningún momento, que no haya necesidad de interpretación. Por suerte, y refiriéndonos exclusivamente a la Historieta, nunca cierro las puertas, volviendo siempre a dar segundas oportunidades a aquello que en un primer momento no me atrajo. Con algo más de madurez, y muy probablemente gracias a la aparición y expansión de Vertigo, volví a McKean, a repasar sus obras más conocidas y a entrar en los mundos que propone. Y fue una suerte, porque de lo contrario me hubiera perdido de un artista extraordinario que consiguió, con su irrupción en el mainstream, expandir las posibilidades del medio, generar nuevas propuestas, imponer una nueva voz que trazó un camino propio y único. Si bien la Historieta es un arte híbrido desde su origen, McKean estrechó los lazos con otras artes gracias a una mayor inclusión de técnicas propias de la plástica, la fotografía, el diseño gráfico y el arte digital.

Repasando las historias incluidas en esto libro, cuesta creer que todas sean obra del mismo artista. Cada una de ellas está llevada a cabo con técnicas y estilos completamente distintos. Además de las composiciones de imagen con que se luce en las portadas, es notablemente versátil en las puestas en páginas y las distintas formas que tiene para dar acabado, profundidad y texturas a sus dibujos. En ocasiones trabaja con fotografías intervenidas y ensambladas con armonía en las páginas, mientras que “Un vaso de agua” está completamente trabajada sobre fotografías, todas y cada una de las viñetas. Fotografías a las que desdibuja, ensucia, colorea o resalta acompañando la narración de la protagonista. Con la misma eficacia puede realizar un trabajo mucho más limpio o despojado, como el que se ve en “Muerta habla sobre la vida”, o patear el tablero y arrancar para una dirección completamente distinta a todo lo que venía haciendo, como demuestra en “Un pez fuera del agua”.

Un libro recomendable y un artista que lo es aún más, al que vale la pena acercarse y descubrirlo.

 

“Fue tu creación… Y si muere, la lloraremos. Pero toda la belleza es pasajera y todo es una rueda.”

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Volvemos a la aldea de los irreductibles Galos (Que no lucen tan invencibles desde que les ganamos la final de mundial, por cierto…), después de haber comentado la “Colección Integral” que publicara hace unos años Salvat (Y que dejamos por acá: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid0xUch47ScSiikreJPakN7nyHerVe4Ag5skYYA21VaTr51fpUrn5SRSMxQz6yXRqeSl), y de mencionar el anteúltimo álbum de la saga, “La hija de Vercingétorix”, en un podcast de “Archivo de Cómics” (Que pueden descargar desde aquí: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/1043028916317976), para meternos con una lectura que teníamos pendiente desde hace un par de años, con la que no nos animábamos porque en su momento la habíamos conseguido en catalán… Pero tomamos coraje y le entramos a “Astérix en Italia”, la que con extrema brevedad pasamos a comentar a continuación.

 

El Senador Lactus Bífidus es acusado por sus pares de malversar fondos públicos destinados al mantenimiento de las célebres calles italianas (Aquellas que conducen todas a Roma), y destinarlos a distintas orgías planeadas para su entera satisfacción. Si bien esta acusación es del todo cierta, Lactus se ve obligado a desmentirla y defender su honor, por lo que propone organizar una carrera abierta a todo el mundo, que recorra los distintos caminos del imperio romano, terminando en la mismísimo Coliseo. Con este evento quedará demostrado el excelente estado en que su gestión mantiene las rutas…

Se aprueba el evento y llega a los oídos del César que rápidamente se presenta ante Lacuts, remarcándole la importancia de que el ganador de la carrera sea un Romano, ya que la dignidad de todo el Imperio está en juego….

Algunos días después, Astérix y Obélix acompañan a Edadepiédrix a una feria itinerante Celta para que le saquen una muela. En la feria, Obélix se compra un carro bastante ridículo y se enteran de la carrera organizada por los Romanos. Llevan la noticia a la aldea y deciden participar del evento. Astérix y Obélix parten hacia Italia con su carro nuevo…

Corredores de todos los rincones del Imperio (Y más allá…) se reúnen en Modicia, desde donde será la largada. Irrumpe entre ellos el famoso “Coronavirus”, un corredor romano enmascarado que es el favorito del César.

Lactus, obligado por el César y con su destino en juego, confabula con Coronavirus para ir eliminando a los principales competidores en cada uno de los tramos de la carrera. Obviamente, Astérix no tolera la injusticia y se lanza contra el favorito de Roma, a quién desenmascara y se revela como un siciliano a quien obligaron a trampear y ocultar su rostro… Se resigna y decide abandonar la carrera para volver a su tierra natal. Sin embargo, cuando se reanuda la competencia, Coronavirus persiste en sus maneras tramposas y en su intención de ganar la carrera como sea… Astérix y Obélix intentarán detenerlo, confirmar si es la misma persona quien se encuentra bajo la máscara y, si fuera posible, llevar el trofeo a la aldea gala para terminar celebrando la victoria con el tradicional banquete…

 

La dupla elegida por Albert Uderzo para continuar con el legado de los galos, sigue demostrando que fueron una buena elección. Jean-Yves Ferri al guion y Didier Conrad en dibujos, se muestran cada vez más cómodos entre los irreductibles. Si bien, a mi criterio, no siempre han mantenido el mismo nivel (me gustó mucho más “Astérix y el papiro del César”, que esta que comentamos, pero a su vez “Astérix en Italia” me gustó más que “La hija de Vercingétorix”), las voces y situaciones que atraviesan resultan naturales a las aventuras clásicas de estos personajes, rápidamente supieron adecuarse a la tradición impuesta por René Goscinny y Uderzo para alegría nuestra.

Creo que es Ferri el que lleva la delantera porque, si bien tiene cierta estructura de la que no puede salirse y continúa anclado en el año 50 A.C., ha conseguido hacer humor con la cotidianeidad actual sin que suene desubicado (Antivirus, Sélfix, Coronavirus -antes de la pandemia, por cierto-, apariciones de celebridades, etc.), al tiempo que sus aventuras son entretenidas, como decimos siempre, no al nivel de Goscinny, pero sí como un dignísimo sucesor que ha sabido entender por dónde van los tiros… De todos modos, ya se conoció la noticia de que Ferri abandona Astérix para dedicarse a otra cosa y, a partir del álbum 40 será reemplazado por Fabcaro (Fabrice Caro), músico, guionista y novelista de amplia trayectoria. Ya veremos como le va con el mundo de Astérix.

Por su parte, Conrad va creciendo álbum a álbum. Me imagino que no debe ser nada fácil trabajar bajo los parámetros de un estilo ajeno, pero conforme van pasando las aventuras, se lo nota más cómodo, consiguiendo hacer suyos los personajes e imponiendo su impronta y destellos del estilo propio. Más allá de estas consideraciones subjetivas, el dibujo es muy bueno, excelente para el humor, las expresiones, las peleas cómicas y todas aquellas características que fue popularizando Uderzo con el correr de los años.

 

Finalmente no me fue tan difícil leerlo en catalán, pero Libros del Zorzal, la editorial que tiene los derechos de Astérix para Argentina, ya lo publicó bajo el nombre “Astérix y la transitálica” (Traducción mucho más correcta que la catalana), por lo que no hace falta ponerse a buscar ediciones extranjeras. Cuando yo lo compré en catalán, Libros del Zorzal solo publicaba los álbumes de la dupla original y no creí que lo fueran a sacar… Ahora en cambio, tienen la sana costumbre de editar los títulos nuevos de Astérix y Lucky Luke al poco tiempo de su edición original… Por eso tenemos en gatera el último álbum del galo, “Astéix y el grifo”, que esperamos leer pronto y volver con más comentarios sobre los irreductibles… Hasta entonces, por Tutatis!

 

 

“Yo acuso al senador Lactus Bífidus, aquí presente, de financiar sus orgías con los fondos públicos destinados al mantenimiento de las vías romanas!”

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Como estamos atravesando Febrero, el mes del amor, y mañana se celebra el día de los enamorados, vamos a comentar una lectura romántica que hemos hecho recientemente, para que puedan disfrutar todos aquellos que no se estén preparando para tener sexo durante todo el día de mañana, aprovechando la excusa del San Valentín…

 

“Arlequín Enamorado” es una obra de Neil Gaiman y John Bolton en la que, utilizando algunos de los clásicos personajes de la Commedia dell´arte reversionados, cuentan una historia de amor en tiempo modernos.

Aunque algunos historiadores encuentran versiones preliminares o el germen originario en la cultura griega, la Comedia del Arte más célebre nace en Italia promediando el siglo XVI. Eran espectáculos teatrales basados en la improvisación y llevados a cabo siempre por los mismos personajes quienes cumplían un rol específico y tenían un atuendo que los caracterizaba. Con solo verlo aparecer en escena (Lo que no necesariamente tenía que suceder en un teatro, porque también actuaban al aire libre, en espacios públicos y con compañías itinerantes), el espectador ya sabía quien era el personaje, cuales eran sus características, función y comportamiento. Los personajes más comunes eran el viejo avaro Pantaleón, el viejo verde y sabio identificado como el doctor, el primer bufón Brighella, el travieso y cómico Arlequín, la joven enamorada Rosaura y Colombina, amor eterno y compañera del Arlequín. Gracias a las compañías itinerantes, la Comedia del Arte se extendió rápidamente por toda Europa, teniendo sus variantes principalmente en países como España, Francia e Inglaterra, donde se la llamó Pantomima (Aunque esta variante inglesa nada tuviera que ver con los mimos). Hasta comienzos del siglo XIX existió de esta forma, para luego mutar en el melodrama, los payasos, mimos, etc. Muchas de las características de la Comedia del arte fueron utilizadas por dramaturgos de la talla de William Shakespeare, Félix Lope de Vega o Moliére y, en tiempos más cercanos, fue rescatada, revalorada y puesta en escena nuevamente.

Esta historia comienza cuando el Arlequín clava su corazón en la puerta de la casa de su Colombina, una joven llamada Missy, ex ayudante de forense que, al sentir el ruido en la puerta, se asoma y descubre el órgano colgando de un alfiler… El Arlequín es invisible ante los ojos de las personas siempre que él lo quiera y, sin ser notado, comienza a seguir a la muchacha para descubrir qué hace con su corazón. Missy lo descuelga, guarda el órgano en una bolsa dentro su bolsillo y sale a la calle. Va a su antiguo trabajo a confirmar con el forense que se trataba efectivamente de un corazón humano, luego va a un restaurant, pide unas papas fritas, troza el corazón y come un pedazo de este. Todo este trayecto lo hace con el Arlequín revoloteando a su alrededor, describiendo en off todo lo que ella hace, el sentir que le despierta y la admiración que su belleza le provoca, la que mejora el paisaje, el día, las personas que los rodean, la totalidad de la vida…

Sin embargo, gracias a ingerir su corazón, Missy empieza a ver al Arlequín y entablan una conversación en la cual los roles se invertirán, se revelará al verdadero Arlequín y todo el amor que sentía el enmascarado por Missy, se encausará en su verdadero y, con suerte, correspondido destino…

A pesar de que es una historia simple y carente de conflictos o situaciones límite, Gaiman consigue atrapar al lector con el vuelo poético de su prosa. Resulta atractivo el juego con los personajes de la Comedia del Arte y la distribución de los mismos que el Arlequín va haciendo en las personas que se relacionan con Missy. Por otra parte, si bien se trata de una Historieta protagonizada por un enamorado, en ningún momento cae en lugares comunes ni en la obviedad sentimentalista a la que una historia romántica invita. Gaiman se encarga de abarcar la mayor cantidad posible de las aristas que el tema propone, tanto las que llenan el pecho de felicidad, como las que provocan un profundo dolor, aquellas que te nublan la mente, como las que trenzan un nudo en la garganta, las que entre certezas regalan seguridad, como las que te apuñalan con la agonía de las dudas, y todo narrado en ese estado entre mágico y de ensueño al que el bueno de Neil nos consigue llevar en sus trabajos…

Es también muy interesante el trabajo que realiza Bolton, aunque distinto de otras obras en las que lo tengo presente (Como la miniserie “Batman: Manbat” que hizo con Delano, o la bellísima “Marada, la mujer lobo” que realizó con Chris Claremont). Esto es prácticamente una foto novela, porque todas las viñetas son producto de fotografías intervenidas. En algunas oportunidades manipula los rostros o cuerpos modificándolos, y en otras compone páginas superponiendo distintas imágenes. Emplea color definido en los cuerpos y difuso en los fondos, los que quedan como desenfocados acompañando esa aura de ensoñación que propone el texto. De las distintas variantes que ofrece la obra de Bolton, el trabajo sobre fotos es talvez el que menos me gusta, sin embargo, logra un buen resultado que se complementa bien con lo que propone Gaiman y que, como otra de las muchas posibilidades que el medio ofrece, tiene su propio encanto.

 

La presente edición nacional y popular fue publicada por la editorial thalos en 2006. Se complementa con algunos textos de Gaiman sobre la Comedia del Arte y la obra de Bolton y, aunque es una edición bastante digna, el tamaño reducido le juega en contra por la notable cantidad de texto que tiene cada página dificultando la lectura (Incluso a quienes, como es mi caso, gozamos de salud visual). Y acá la dejamos para que todos y todas terminen de arreglarse para celebrar el día de los enamorados como un feliz Arlequín!

 

 “El Arlequín te ha dado su corazón. Debes descubrir su latido tú misma.”

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Volvemos a Morfeo después de haber comentado la serie central el año pasado (Por acá: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid02Gjqs8r4KLodXMCMN1GQjH1iwXUnZgfdHfPnAsECJvsyoN7fjQRtFrvMBXvSpp3fPl), y de repasar algunas viñetas sobresalientes con el hashtag #LosSueñosyPesadillasdeMorfeo, para centrarnos en un libro que nos han regalado y leímos recientemente…

 

En el año 2003 se publicó el especial “Sandman: Noches Eternas”, que incluía siete breves historias nuevas, todas guionizadas por Neil Gaiman e ilustradas por diferentes artistas. La historia central de la mencionada antología se llamó “El corazón de una estrella” y fue ilustrada por el extraordinario historietista español Miguelanxo Prado. Gaiman y Prado coincidieron a lo largo de los años en distintas convenciones, y siempre surgía en la charla entre ellos la promesa de un trabajo en conjunto, pero caía en el olvido hasta que, algún tiempo después, volvían a encontrarse fortuitamente. Finalmente, el especial en cuestión fue el lugar propicio para que se dé la demorada colaboración y, tras el llamado de Gaiman, Miguelanxo puso manos a la obra.

 

La presente historieta transcurre millones de años antes de la historia original, cuando nuestro sistema planetario era incipiente y su sol era aún una joven estrella naciente. Morfeo y su pareja Killalla del Fulgor, una Oana que estaba comenzado a dominar el poder de la luz verde, se dirigen a un parlamento organizado por Mizar, una estrella que tomó forma corpórea, al cual acudirá toda la familia de Sueño, además de otras entidades como Rao, la estrella roja que alumbra Krypton, Sto-Oa, la estrella verde que da su fulgor a Oa, el joven Sol y varias dimensiones y seres más. El objetivo de la reunión es establecer los límites de la responsabilidad de cada uno de ellos y los méritos del deber, pero Morfeo quiere aprovechar la oportunidad para presentar a Killalla al resto de los Eternos.

El parlamento se lleva a cabo en una idílica isla en el espacio, con jardines, praderas, cascadas, castillos y torres, cuyo conjunto crea una visión abrumadora. Si bien no todos los Eternos están presentes al llegar la pareja, Killalla llega a conocer a Deseo y Deleite (quien no es otra que Delirio en su juventud). El concilio se lleva adelante con un breve receso por desacuerdos entre algunas de las partes, mientras que Killalla estrecha vínculos con Sto-Oa, estrella por quien sentía adoración y cuyo fulgor verde era su deseo más ardiente. Inevitablemente se da un flechazo inmediato entre ellos y son descubiertos por Sueño en medio de un beso… Responsabilizando a Deseo por el devenir de los hechos, Morfeo le pide a su hermano-hermana que no vuelva a molestarlo y abandona el parlamento…

 

Si bien lo descrito es un resumen acotado y amarrete, tampoco hay mucho más en esta historia porque se extiende solamente por 20 (fabulosas) páginas. Como se puede ver, no es una historia tradicional que gira en torno a un conflicto a resolver con su principio, desarrollo y desenlace, en cambio, son un montón de situaciones que se suceden sin dirigirse a nada en concreto. Sin embargo, las situaciones y diálogos son tan atrapantes, están tan bien relacionados con la historia de Sandman y la del universo DC en general y están tan bellamente ilustrados, que es imposible no sumergirse en este universo y dejarse llevar. Si bien considero a Gaiman un excelente guionista de muy buenas ideas, evidentemente con Sandman tiene una conexión especial, porque todo lo que hace en relación a Morfeo y los Eternos está muy por encima de cualquier otra obra de su cosecha. En este puñado de páginas despliega una cantidad de conceptos, de imaginería poética, de desarrollo de personajes (Complementario a lo hecho en los 75 números de la serie original) tan generosa que no se puede creer.

Y evidentemente la elección de Miguelanxo no podría haber sido más acertada, porque todo ese caudal vertido por Neil, encuentra en el arte de Prado un excelente partener que consigue dar vida, con creces, a ese desborde poético. El diseño de personajes y el rejuvenecimiento que hace en los Eternos es bellísimo, los escenarios tienen una mezcla de fantasía y elegancia único, las puestas en páginas son todas distintas, pero siempre efectivas y el color termina de dar vida y belleza a una obra breve, pero inolvidable que consiguió imponerse como una de las preferidas en la enorme legión de seguidores que tiene Sandman.

 

La presente edición realizada por ECC España trae el recorte dibujado por Prado de aquel especial más amplio que comentábamos. Lo publicaron en tapa dura y, como solo son 20 páginas, le metieron un montón de material extra para llevarlo a 65 páginas… Además de prólogos realizados por ambos autores, incluye un extracto del guion con las acotaciones de Gaiman, bocetos, ilustraciones, pruebas de puestas en páginas y biografías. Fue una edición limitada que salió en 2019, supongo que para aprovechar el hecho de un artista español vinculado con Sandman. Como ya dije, me obsequiaron este libro y siempre me alegra recibir viñetas regaladas, no me quejo de eso para nada, pero si cuestiono un poco esta edición con tan pocas páginas de historieta, 45 dedicas a extras y un precio un poquito exagerado… La lógica dicta que tendrían que haber publicado el especial completo enfatizando en Prado, si esa era la idea… La buena noticia es que ya no es necesario ponerse a buscar esta edición, porque Ovni Press publicó “Noches eternas” completo, en el tomo 11 de su colección “Sandman” … Dulces sueños!

  

  

 “Señora, por favor, coma, beba y toque lo que le apetezca. Aquí está a salvo. Todo lo que hay está para que lo disfrute.”

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