A fines del 2017 ECC España editó dos tomos dedicados al Maestro Wally Wood, donde reunía las historietas que realizó para los primeros números de la famosa revista Mad, publicados originalmente entre 1952 y 1955. Como los hemos leído recientemente, pasamos a comentarlos.

En sus comienzos, la revista Mad se componía casi en su totalidad por historietas breves, siempre humorísticas y, en la mayoría de los casos, paródicas. Con el correr de los años, las viñetas fueron cediendo terreno a otras secciones, como reportajes, notas, secciones humorísticas y demás, aunque jamás dejaron de incluir historietas. Por sus páginas pasaron artistas de la talla de Sergio Aragonés, Don Martin, Jack Davis, Norman Mingo, Nick Meglin y, por supuesto, Wallace Wood.

Wood es un colaborador de la revista desde el primer número y los presentes libros reúnen todas las historietas que el autor realizó entre los números 1 y 23. Las mismas tienen una extensión que varía entre las 5 y 8 páginas y en todos los casos es de humor paródico. La parodia la aplica sobre otras historietas, géneros (Horror, Ciencia Ficción, Historia), como así también sobre distintos medios (Cómic, TV y cine).

Hay muchas teorías que estudian a la parodia y todas muy diferentes. Estos escritos solo coinciden en dos puntos: La parodia tiene intertexto (Es decir, hace referencia a un texto –en este caso historieta, película, programa de TV, etc.- que existía con anterioridad) y solo puede apreciarse si el lector tiene las competencias necesarias (Por ejemplo, quien nunca leyó novelas de Caballería, no verá los elementos paródicos que “Don Quijote de la Mancha” tiene hacia ellas). En este sentido, la mayoría de estas historietas parecieran estar dirigidas exclusivamente a amantes de las viñetas ya que hay que poseer cierto bagaje de conocimiento en el medio para apreciar las relaciones que establece el autor hacia obras como Superman, Flash Gordon, Príncipe Valiente, Terry y los piratas, Black Hawks, Batman, Disney, Archie, etc.

El fuerte de estas historias (Como casi en toda la obra de Wood), es el dibujo. Estamos ante uno de esos artistas que puede cambiar de registro con tanta facilidad como nosotros de medias… Se ha lucido con iguales resultados en historietas de superhéroes, ciencia ficción, bélicas, de fantasía heroica, terror, humor, etc. Cada viñeta está increíblemente cargada de detalles e información. Además de la historia principal que narra, prestando atención a estos detalles se pueden apreciar otros gags que se van desarrollando con el pasar de las viñetas.

Si bien el estilo empleado por el autor en estas páginas es claramente humorístico, se luce con una variedad de recursos sorprendente. Maneja también un amplio dominio sobre las posibilidades que otorga la historieta, hace verdaderas obras de arte con las onomatopeyas como parte de la composición, juega con las páginas atravesándolas de un lado a otro, realiza con la misma solvencia secuencias a color como en blanco, negro y grises y las puestas en páginas son tan variadas como originales. Se nota la influencia de artistas como Will Eisner o Hal Foster en el trabajo de Wood, pero la utiliza para crear un estilo propio y novedoso, a menos que intencionalmente busque imitar el estilo de algún otro dibujante. Un Maestro!

Sin dudas el apartado gráfico es excelente, pero el humor de estas historias me pareció bastante soso. El guion está a cargo del legendario Harvey Kurtzman y si bien es cierto que estamos a más de 60 años de que se publicaran originalmente, el tiempo y la distancia hicieron que este humor envejezca y no produzca el mismo impacto que tuvieron en su momento. Es decir, son hijas de su tiempo. Leídas hoy, me resultaron bastante inocentes y naif sin llegar a provocarme más que alguna sonrisa esporádica… Es muy probable que la traducción haya hecho que muchos juegos de palabras queden en el camino, lo que tampoco ayuda a la obra.

Lo que es un verdadero desacierto, es el formato elegido por ECC para publicar este material. Son dos libros de 80 páginas aproximadamente, en un formato de 21 x 16. ¿Porqué tan chico??? ¿A quién se le ocurrió??? Hay que estar forzando la vista para apreciar todos los detalles que Wood mete en cada viñeta y un dibujante de estas características se hubiese apreciado mucho mejor en un formato mayor, más cercano al tamaño original de la revista Mad al menos…

Para aquellos admiradores de la obra de Wally Wood y de los grandes dibujantes en general es muy recomendable, para los que busque algo de humor que surta efecto… mejor buscar otra cosa.

“Wood fue un dibujante muy influyente e imprescindible de Mad. Sus extraordinarias habilidades fueron tan importantes para la revista que apareció en todos y cada uno de los 86 primeros números”

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Después de haber leído el manga original de Go Nagai (Que fue comentado aquí: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/673043813316490), quedamos tan enganchados de Mazinger Z que inmediatamente nos pusimos a leer “Shin Mazinger Zero”. Esta obra consta de nueve tomos que fueron publicados por Ivrea Argentina entre Diciembre del 2018 y Febrero del 2020 y, según cuenta en portada, está basada en una idea original del Maestro Nagai. Este concepto se transformó en guion de la mano de Yoshiaki Tabata, mientras que los dibujos estuvieron a cargo de Yuuki Yogo, dupla que había colaborado anteriormente en “Akumetsu”.

En un futuro post apocalíptico, Koji deambula en la destrucción hasta que se cruza con Minerva X, un robot con forma y aspecto de mujer creación del difunto profesor Kabuto. Ella lo escucha lamentarse y decir que esta destrucción se podría haber evitado si él hubiese asumido el control de Mazinger Z para dominarlo. En esta realidad, Mazinger sin necesidad de piloto humano, se enfrentó a las bestias mecánicas del Dr. Hell, pero al no contar con Koji para que temple su comportamiento, el robot se desboca y se vuelve un demonio que termina por arrasarlo todo.

Minerva decide darle a Koji una nueva oportunidad, lo desintegra y salta al pasado de otra realidad, donde vuelve a tomar contacto con Koji, sus amigos y el equipo del Instituto de investigaciones Fotónicas. Se une a ellos e intenta asistirlos y guiarlos para evitar que el holocausto vuelva a producirse.

De a poco, nos vamos enterando que Minerva ha realizado este salto multiversal muchas veces y nunca ha conseguido evitar el desenlace fatal, del mismo modo que se nos va revelando el pasado del universo en que se encuentra. Aquí ya hubo enfrentamientos previos con las fuerzas del Dr. Hell, los que llevaron a la completa destrucción del planeta quedando solo Japón como lugar habitable, donde el último remanente de la humanidad intenta llevar una vida normal, al tiempo que se prepara para el enfrentamiento definitivo.

En esas batallas, Koji lo da todo para detener a las fuerzas del mal, al punto de que queda al borde de la muerte con el cuerpo completamente destruido, por lo que su mente es transferida a un cuerpo robot que asume su mismo aspecto físico. Minerva ve tanta fuerza en Koji, Sashaka y el pueblo japonés que comienza a esperanzarse de que esta vez puede ser la definitiva, que ahora sí logrará salvar la humanidad.

Los combates no se hacen esperar, horda tras horda de bestias mecánicas y androides asesinos se lanzan tras Koji y los suyos intentado acabar con el último bastión de resistencia. Mazinger Z contiene una serie de poderes especiales que Koji puede ir liberando a medida que los necesite, pero tiene que evitar liberarlos todos porque haría que Mazinger se convierta en un demonio incontrolable que volvería a destruir a la humanidad… Pero el Koji de esta realidad es distinto a todos los que Minerva conoció anteriormente…

Transformando su Isla de Bardos en una monumental bestia mecánica, el Dr. Hell lanza su ataque definitivo, aquel con el que intentará acabar con Japón…

Si bien el concepto que propone Go Nagai no es de lo más original, tiene su encanto y resulta atractivo que esta historia se cuente con personajes tan queridos como los son Mazinger y su universo. Sin embargo, hay algunos aspectos en el desarrollo que hicieron los autores que no termina de convencerme…

Para empezar, la historia que escribe Tabata durante nueve tomos se podría haber contado en tres y sobraba espacio. Esta todo muy, muy, pero muuuuy estirado… En varios pasajes rinde homenajes al manga original, repitiendo bestias mecánicas o situaciones que quedan muy bien y atan esta nueva historia a lo clásico.

Los personajes están planteados de manera bastante unidimensional, pasando de la euforia, al desasosiego o a la esperanza o a cualquier otro estado sin transición, sin resolución de continuidad… Simplemente porque le resulta más impactante al autor. Algo que también pasa con la población de Japón (Cosa que sucede en varios mangas y siempre me resulta bastante ridículo). Todo el pueblo reacciona de la misma forma al mismo momento y dos o tres de ellos son lo voceros que expresan su sentir y todos los demás apoyan la movida… No hay voces disidentes, no hay conflictos entre ellos… Por ejemplo, cae una bomba, mata a cientos, los sobrevivientes están todos llorando y muy tristes. De pronto pasa Mazinger Z volando, uno grita “Si Mazinger sigue luchando, nosotros también!”, y todos comienzan a gritar cosas como “Es verdad”, “No nos rendimos”, etc… Ya nadie se acuerda de los muertos, del dolor, de la bomba… de nada. Mente colmena. Lo cual no sólo es un reduccionismo extremo, sino que es un recurso bastante barato, simplista y, en definitiva, poco efectivo.

Por supuesto que no faltan los “momentos paja” (Espacios para que los jóvenes “se acaricien el ganso”, como me aconsejó mi amigo Ted que diga), por el contrario inundan todos los tomos… Mujeres desnudas, enseñando su ropa interior, siendo manoseadas o vistiendo atuendos ridículos con el único fin de mostrar sus carnes en favor de las hormonas alborotadas de los lectores adolescentes y, como casi siempre en estos casos, metidas a la fuerza sin aportar absolutamente nada a la historia que se está narrando…

Fuera de todo esto, la historia se desarrolla bastante bien, con algunos momentos que consiguen emocionarnos y mucho espacio para batallas espectaculares.

Yogo es un muy buen dibujante que, si bien da toda la impresión de que podría plasmar los personajes anatómicamente correctos, prefiere no hacerlo en busca de una mayor expresividad, un efecto más contundente y más espectacularidad. Entonces, flexibiliza las posturas de humanos y máquinas, las transforma a su antojo desde todos los ángulos posibles para que el lector quede abrumado. Sin embargo, se pasa bastante de rosca. Dibuja exagerando gestos y posturas corporales como si fuera un Jim Lee pasado de drogas, enchufado a 220, escuchando metal al mango y con un perro mordiéndole la entrepierna… Hasta para dar los buenos días Koji abre la boca 80 centímetros y parece gritarle todo el tiempo a todo el mundo. Lo mismo sucede con los demás personajes y las emociones que estos manifiestan, todo se encuentra llevado al mayor extremo posible y, en la redundancia, termina cansando un poco…

Como no podía ser de otra manera, el “momento paja” propuesto por Tabata encuentra su perfecta correspondencia en las damas que dibuja Yogo. Exceso de nalgas, bustos, carnes y escuetas vestimentas hacen las delicias de los más jóvenes a quienes jamás habría que pedirle estos libros prestados…

El fuerte de estas páginas está en los mechas y las batallas que ellos desarrollan, páginas en las que Yogo verdaderamente se luce.

Si tenés mucha nostalgia o cariño hacia estos personajes, probablemente llegues a disfrutar de esta obra a pesar de las contras mencionadas. De hecho, por momentos yo pude hacerlo… Pero en líneas generales, no es algo que me animaría a recomendar.

Por cierto, hermosa edición de Ivrea, con excelente calidad de papel, encuadernación y sobrecubierta a color. El buen nivel de edición al que nos ha acostumbrado en los últimos años.

- “Los ejércitos de las tinieblas marchan… El cielo está cubierto de llamas carmesí… que brillan como un relámpago… Y el guardián de acero se eleva…”

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Las primeras viñetas de Adams fueron en tiras de prensa de las que pasó a la editorial Warren para dibujar historias de terror. Después de eso salta a DC donde cobra mayor notoriedad dentro de la industria con algunas historias de guerra, varios backup´s y portadas, pero principalmente es su paso por el título Deadman el que hace que los ojos de todos se posen en él… Como trabajaba en modalidad freelance, Marvel se acercó a Adams para ofrecerle trabajo y, sin dejar DC Cómics, aceptó la oferta.

Según se cuenta, Marvel le permitía a Adams elegir cualquier título sin importar si ya tenía dibujante asignado. Pero como Neal tenía códigos, no quería afectar el trabajo de ningún colega y preguntó cuál era el título que peor vendía. Ese título era X-MEN, que venía a los tumbos y por el que ya habían pasado varios escritores y dibujantes tras la partida de Lee & Kirby, los padres de la criatura.

Así fue que, en la entrega número 56, el título “The X-MEN” estrena dupla creativa con el reincidente Roy Thomas (Que ya había pasado por el título tras la partida de Stan) a cargo de los guiones y Neal Adams dibujando.

A la formación original de X-MEN se le suman en estos números Polaris y Havok que venían dando vuelta en el título desde unos cuantos números atrás. Roy Thomas pone toda la carne al asador y en estos once números mete al Monolito Viviente, el regreso de los Centinelas y los Neocentinelas con Larry Trask (hijo de Bolivar) insuflando el odio anti mutante desde los medios de comunicación, el “Consejo federal de actividades mutantes” persiguiendo a los hijos del átomo, Magneto y la “Brotherhood of evil mutants"; el debut de Sauron (A quien le dedicamos una entrada por acá: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/635341720420033), viaje a la tierra salvaje con Ka-Zar, Zabú, los mutantes que allí viven, el "Creador" nuevo señor de la tierra salvaje (Que resulta ser Magento), y memorable batalla final entre X-MEN, Magneto y sus nuevos seguidores… El debut de Sunfire (En el numero 64, con dibujos a cargo de Don Heck) amenazando a la ONU y luchando con los X-MEN, el regreso de Charles Xavier revelando porque se había hecho pasar por muerto y combate con raza alienígena para salvar la Tierra en el último número dibujado por Adams (#65). Todo esto termina en un enfrentamiento con Hulk a cargo de Sal Buscema en el #66, con final feliz todos reunidos alrededor de Charles.

A pesar de los esfuerzos de la dupla, el título se cancela en el #66 y, a partir del 67 comienzan a reimprimir número viejos. Se cuenta que en esa época las cifras de venta tardaban mucho en informarse y, sin paciencia para recibir la info precisa, Marvel decide dejar de invertir en mutantes… La otra parte de la historia nunca la encontré, si efectivamente las ventas habían mejorado gracias a la dupla Thomas/Adams sigue siendo un misterio para mi…

Pero en los nueve números que dibuja Adams quedan una enorme cantidad de páginas increíbles, las batallas aéreas entre Angel y Sauron son una gloria absoluta, hay algo de psicodelia en el despliegue de los poderes mutantes (Sobre todo en Jean y Wanda) que Adams maneja a nivel Steranko, unas puestas fabulosas con vértigo, velocidad y elegancia que me animan a decir que, a nivel gráfico, esta es mi obra favorita de Adams.

Con estas historietas conocimos el trabajo de Adams (En aquel hermoso tomo publicado por Vid llamado “Grandes batallas de los X-MEN”: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/598332320787640) y, a pesar de que no reúne la totalidad de estos números, los dos o tres que incluye bastaron para flecharnos inmediatamente. El manejo de los cuerpos, lo bien que los mueve en el espacio, el despliegue narrativo, lo sólido de las expresiones, el amplio registro de rostros y cuerpos que plasma, las perspectivas que usa, el manejo de la luz y las sombras, y esas inolvidables puestas en página que tiene (Aquella de Beast en caída libre, o la doble splash page de un Sauron de alas desplegadas que utiliza para insertar viñetas más pequeñas, o la batalla de Iceman y Beast con los Centinelas, entre mucha otras), en resumen, todo aquello que terminó siendo una marca registrada del autor, lograron volvernos adoradores eternos del arte de Neal Adams.

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No soy un estudioso ni un historiador, pero no recuerdo muchos casos en que a un personaje se lo piense directamente con los trazos de un determinado dibujante por un período de tiempo extenso, de hecho, solo me vienen tres casos a la mente: el Superman de Curt Swan, el Spiderman de John Romita y el Batman de Neal Adams.

Sin dudas, Batman es el personaje con el que más ha trabajado Adams en su carrera. Durante la última parte de la década del 60 y buena porción de los 70´s pasó por títulos como “The brave & the Bold”, “Detective Comics”, “Power records” (Cómics que venían acompañados de audio), “World´s Finest” y por supuesto “Batman”, dejando tras de sí una buena cantidad de páginas dibujadas protagonizadas por el murciélago, sin contar muchas, pero muuuuchas portadas.

La irrupción de Adams, junto a Dennis O´Neil principalmente, alejan a Batman del mal trago que supuso buena parte de las décadas del 50 y 60 con Frederic Wertham, Adam West y el Comics Code; lo devuelven a la oscuridad, con historias centradas en contextos más realistas, con consecuencias, decisiones, derrotas y pérdidas, todo enmarcado con la revolución estilística impuesta por Neal.

Ya sabrán que somos confesos fanas tanto de Batman como de Adams por lo que más de una vez hemos hecho referencia a su trabajo en esta página. Como no queremos repetirnos hasta el infinito, dejamos el link a esas entradas:

Celebramos la “Saga de Ra´s al Ghul” acá:

https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid02EnqKRTbFcbPi1uVUG8euo4UqUTbv72XCRrABNmatj6kgrqUkx52d9EnineNEUU3jl

Y agradecimos la existencia de la dupla O´Neil/Adams aquí: https://www.facebook.com/Historiasenvinetas/posts/pfbid02gKitFdoCJivroGKke7UtuxW3pTcRHNMXDdy1W8TwmRc6JauttryJkZHkuqeXgLX5l

En alguna de esas entradas decía algo como esto:

“La aparición de Neal Adams es una verdadera patada al tablero, todo lo que hace no tiene precedentes. Un absoluto Maestro de las expresiones, los cuerpos, la narrativa gráfica, las puestas en página, el diseño de personajes... La influencia de Neal Adams fue tremenda en su momento para los jóvenes que empezaban en los 70´s u 80´s y lo sigue siendo hoy. Todo aquel que quiera dibujar una página no puede ignorar el glorioso trabajo del Maestro Adams.”

Creo que está bastante bien lo dicho en aquella oportunidad y expresa certeramente mi sentir al respecto de la obra del Maestro en general, y con Batman en particular.

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Esta historia comienza con un Maestro del que hemos hablado mucho por acá, llamado Dennis O´Neil. Talentoso guionista, contemporáneo de Neal Adams, quienes han colaborado estrechamente en varias oportunidades.

O´Neil fue adolescente en la década del 60 y su talento es fruto de la revolución contracultural que la juventud regurgitó en esos años, desafiando las formas y usos que se estilaban desde décadas anteriores de forma automatizada y acartonada… Todo estaba hecho e inventado, todo tenía su forma y su curso hasta que se encontró con la juventud de los 60’s. Toda esa movida ebullía en el interior de Dennis y lo volcaba en su trabajo de escritor, ya sea en artículos periodísticos o guiones de historieta. Ya comentamos cómo se desentiende de los años del Batman censurado por el Comics Code, cuando padecía historias absurdas y simples, devolviéndolo a sus raíces de oscuridad, volviéndolo un personaje más complejo, con aristas, debilidades y contradicciones, acompañado por cambios igualmente radicales en lo gráfico realizados por Adams.

A comienzos de la década de los 70´s, el legendario editor Julius Schwartz, en un intento por evitar la cancelación del título Green Lantern, le pide a O´Neil que se haga cargo de la revista, permitiéndole llevarla hacia donde él quisiera.

Según comentó alguna vez, O´Neil no se sentía cómodo escribiendo personajes superpoderosos (A pesar de que lo ha hecho con solvencia a mi juico), y una de las primeras cosas que propuso fue la inclusión de Green Arrow como coprotagonista. Green Arrow había nacido como un clon de Batman, ambos playboys millonarios, con artilugios, identidades secretas, pupilos, cuevas, vehículos temáticos y demás… Nunca se había desarrollado demasiado a Oliver Queen que, en los últimos años, había perdido su status de millonario en el título de la Justice League y su imagen había sido actualizado por Neal Adams en “The brave & the bold”. Aprovechando el desconocimiento general que había sobre Green Arrow, decide darle consciencia social, volverlo más humano y menos super, más cercano a la problemática del hombre común, volviéndolo el contrapunto perfecto para Hal Jordan, que era el policía intergaláctico ideal, que obedecía ordenes sin cuestionar y veía las cosas en blanco y negro.

Escribe el guion del primer número (Green Lantern #76) y lo entrega para que sea dibujado por Gil Kane, otro extraordinario artista estrechamente vinculado con Green Lantern. Sin embargo, Julius tenía un as en la manga llamada Neal Adams, lo que fue una sorpresa hasta para el propio Dennis.

O´Neil y Adams tenían una sensibilidad similar y coincidieron en el rumbo que había que darle al título y, lejos de las historietas al uso del momento, llevan a la dupla a recorrer el corazón profundo de América acompañados de un Guardián que busca entender el comportamiento humano. Mucha de la problemática social de esa época queda registrada en estos números, la discriminación, el silencio de las minorías, la desigualdad social, la impunidad de los poderosos, el acceso a las drogas, la angustia de la juventud, la explotación laboral, la manipulación de la información, etc. Por supuesto, todo sazonado con buenas dosis de aventuras, villanos, razas alienígenas, combates espaciales, peligros mortales y demás, redondeando una etapa gloriosa dentro del título que marcó un antes y un después en la industria.

No hace falta decir que Neal Adams hace techo en estas páginas, que deja la vida en cada viñeta, que se luce tanto con las escenas espaciales y de combate, como en aquellas en las que solo son charlas dispuestas a exponer las problemáticas antes mencionadas, donde, como si de un director de cine se tratara, da cátedra con las puestas, los ángulos, los planos, los climas, el manejo de la luz, las perspectivas, etc…

Increíblemente, la cabecera se termina cancelando por bajas ventas y la dupla hizo un par de historias más que se publicaron originalmente como back´ups de Flash... Cosas que pasan... 

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PUNISHER, DIXON & ZAFFINO (1)

Volvemos a Chuck Dixon junto a otro Argentino recurrente en sus asociaciones como lo fue Jorge Zaffino. Ya saben, cuando nos ponemos obsesivos con algunos autores no le aflojamos y como adictos a sus obras queremos leernos todo lo que podamos.

Aquí tenemos una novela gráfica de Punisher de 1990 que cuenta como el bueno y querido de Frank da caza a Hamilton Graves un empresario que blanquea dinero de la mafia y el narcotráfico, pasando dólares a empresas reales, reinvirtiendo en la negocios sucios haciendo que el ciclo de delincuencia sea infinito.

La cosa es que Graves se le escapa a Punisher y los federales a unas islitas Caribeñas cercanas a Cuba para poder continuar delinquiendo de ahí. Comprando un Banco y adueñándose prácticamente de toda la isla.

El amigo Frank que no suelta el hueso se infiltra en la isla haciéndose pasar por militares Norteamericanos que invadieron la isla por temor a la presencia de comunistas, dando como inició un juego del gato y el ratón entre Punisher y Hamilton Graves y una carrera contrarreloj, ya que para escapar Graves podría hacer un trato y cómodamente retirarse a una prisión un par de años en donde Punisher no lo pueda alcanzar.

Dixon nos cuenta en una historia de acción cruda y sincera, cuando vemos soretes como Hamilton Graves acostumbrados a hacer lo que se les canta y como los gobiernos del mundo persiguiendo sus intereses hacen la vista gorda y se involucran sólo cuando le es redituable, siendo el trabajador y los ciudadanos sólo efectos colaterales y peones sobre el tablero de un juego amoral. Aquí es cuando Punisher se vuelve el héroe más grande de todos, ya que sin muchas vueltas solo quiere que Graves pague por sus crímenes con una bala en la cabeza.

El arte de Jorge Zaffino, si bien es cumplidor como siempre, se lo nota mucho más “abocetado”, como que lo dibujo a los pedos y lamentablemente el coloreado de la novela gráfica no lo ayuda mucho, ya que Zaffino es un dibujante que se disfruta mucho más sin color, como ya vimos en otras obras como Winterworld.

Esta novela grafica jamás fue publicada por Forum y lamentablemente solo esta disponible en ingles o su versión "tradumaquetada" en digital que es la que yo leí.  De haber seguido teniendo los derechos de Marvel a mediado de la década de los 90, calculo que símbolo editorial la habría editado en sus  "especiales Marvel" colección que editaba historias autoconclusivas del universo Marvel, intercalándolas con "Uncanny X-Men". Ya que en la coleccion de Punisher (Que era la que menos vendía) publicaron una nota de Tony Torres en sobre Zaffino y Punisher llamada “Punisher Argentinos”, que rescatamos en este Blog de notas y hoy pueden leer como si fuera 1995.

Saludos y ya volveremos con más, Zaffino, más Dixon y más Punisher en el Blog.

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DETECTIVE COMICS 583 - 621.

Hoy se vuelven a reunir en el Valhalla de los artistas más importantes de Batman, un equipo creativo que fueran los responsables de que nos gusten las historietas del señor de la noche. Alan Grant fallece a los 73 años y queremos imaginar que se reúne con el dibujante Norm Breyfogle, más allá de las fronteras de la vida terrenal. Siendo este un momento idoneo para recordar lo que ambos artistas construyeron para el mito de Batman en la colección de "Detective comics" en los años 80.

Hubo un tiempo que el señor de la noche estaba libre de personajes secundarios, Batifamilia, crossovers y sagas simplonas vendidas como si fuera el santo grial de los comics.

Esa época llego en las paginas de Detective comics entre fines de la década del ochenta y principio de los noventas, cuando a mi parecer nacía de alguna forma un nuevo y definitivo caballero oscuro, con ideas del genial Alan Grant y la pluma de Norm Breyfogle. Un verdadero "dinamic dúo" que al día de hoy esta bastante infravalorado de la memoria colectiva comiquera, opacado injustamente por otros autores actuales del encapotado como Sean Murphy, Scott Snyder y Tom King.

Estos hoy quiero recordar son la primera tanda continuada de este equipo al timón de la serie (mas tarde pasarían al titulo Batman) comprendiendo los números 583 al 621 de detective comics, mas las continuaciones (en algunos casos en las paginas de Batman) con sagas como: fiebre, el rey de las ratas, el miedo, gente de la noche, tulpa, la banda de barro, anarkia, oda a un pingüino, ritos de transición y una pila de historias auto conclusivas que son una verdadera delicia que si no leíste deberías hacerlo.

ALGUNAS PORTADAS QUE SEGURAMENTE RECORDARAS.

Cuando pienso en Batman lo primero que cae a mi mente es la imagen de Jim Aparo y su azulado detective de la noche pero inmediatamente después recuerdo las alucinantes historias de el en solitario en las paginas de detective comics con un Batman mas atlético y ágil donde una sola pagina era una muestra casi animada de sus hazañas.

Estos episodios (la mayoría de ellos) llegaron a mí a la edad de 12-16 años por las ediciones de habla hispana de editorial perfil y ediciones zinco, como mucho de nosotros lectores de aquellos años este fue unos de los primeros Batman que leímos.

Las historias que encaraba esta etapa eran las de un encapotado solitario que buscando justicia, luchaba contra nuevos terrores extraordinarios y los vicios mas bajos de los barrios bajos, como las drogas y las pandillas callejeras por igual, dejándonos historias autonclusivas con miniseries de no mas de 3 números.

Villanos de la talla de Anarquía, Miedo, el ventrílocuo, el espantapájaros y el pingüino, mezclados con historias urbanas y ecologistas en algunos momentos como el comic llamado “basura”, adornan esta etapa que tiene de todo y de lo mejor.

Por el lado gráfico lo que hace Breyfogle que es innovador y totalmente diferente a lo que se veía (y se ve hoy día) en las paginas de Batman, Su anatomía casi caricaturizada de los personajes logra una rápida asimilación de la narrativa gráfica, que junto a usar composiciones de página como partes de un dibujo separa en diferentes viñetas una misma pagina logrando una gran ilustración.

Hoy día puede resultar un dibujante algo inclasificable hasta chocante en algunos aspectos pero los guiones de Alan Grant le vienen como un genial complemento dándonos una de las mejores colecciones jamás echas del encapotado que en aquellos años redefinió el aspecto solitario que tenia tras la muerte de Jason Todd.

Por supuesto que esta dupla, continuo realizando grandes historias (si Ed Perfil me permite usar el titulo) cuando después se pasarían al titulo de "Batman" creando más personajes y sagas memorables. Pero son estas tandas de episodios (que en la biblioteca tengo ensambladas entre comics de Zinco, España) y Perfil, Argentina) la que siempre vienen a mi mente cuando pienso en un Batman definitivo y estos dos autores.

Antes de terminar les dejo un par de enlaces para seguir recordando a Grant & Breyfogle:

El amigo chueco en este post, reseño un reencuentro de esta dupla cuando en el 2011 DC comics saco el "BATMAN RETROACTIVE COMICS 1990s", una historieta que bien podría calzarse en esa continuidad, lamentablemente de un solo episodio.

También el el blog donde guardo notas y publicidades de comics viejos, rescate esta ENTREVISTA que publico Zinco que cuenta como Alan Grant y John Wagner (Otro capo de esta etapa) terminaron siendo reclutados desde Inglaterra por DC para los títulos de Batman.

Descansa en paz Alan Grant, gracias por tantas aventuras.

 LA GUERRA DE LOS MUNDOS DE CHUCK DIXON & LITO FERNANDEZ.

Uno de los guionistas que más leímos y que tiene una larga trayectoria con dibujantes y artistas Argentinos es Chuck Dixon. Guionista de muchas historietas del universo DC y Marvel, (sobre todo de Batman y Punisher) con obras geniales como “WinterWolrld” con Jorge Zaffino , entre tantos otros laburos realizo esta “Invasión 55” junto  Lito Fernández, dibujante de historietas como “Precinto 56”, “Martin Hel” y “Dr Fogg”, solo por nombrar algunas.

Siempre es grato leer algo de este Dixon alejado de los súper héroes y más metido en historias de índole cinéfilas que tanto garpan a la hora de leer algo para entretenerte y pasar el rato.

La historia nos cuenta una clásica y típica historia de invasión extraterrestre en clave de peli de los años 50, cuando unos extraterrestres deciden aterrizar en un apartado y cálido pueblito de U.S.A la noche de Halloween de 1955 y secretamente comenzar a neutralizar a sus habitantes para hacer la primer parte de una invasión a la tierra. Solo un adolescente y un niño accidentalmente sobreviven a la misteriosa invasión y descubren una serie de túneles debajo del pueblo y el plan de los alienígenas, que dicho sea de paso son unos bichos verdes escafandrados armados con rayos láser que jamás interactúan con los protagonistas.

Por suerte hay un par más de personajes en esta aventura, como un aviador medio borracho con su copiloto y una periodista media histérica que llegaran al pueblo de casualidad y se unirán a los otros dos personajes.

La historia cuenta con todos los clichés de este tipo de aventuras casi cinematográficas, donde todo es familiar para el lector ya que vio o leyó este tipo de personajes e historias en un millón de relatos similares. Lamentablemente me quede esperando algún “giro” en el guion o un poco más de desarrollo de personajes (sobre todo para los aliens que ni justifican sus acciones), pero  Dixon va a lo básico, a entretener y homenajear el género de Invasiones Extraterrestres de los años 50, casi sin esfuerzo. Por otro lado Lito logra una linda narración y caracterización de personajes, pese a los colores de Columba que la verdad zafan bastante comparándolo con otras historietas. 

Originalmente esta historieta salió publicada en tres comics books de 24 páginas por la editorial "Apple Comics” entre 1990 y 1991, luego fue editada en Argentina en las revistas D’artagnan entre 1996 y 1997 y finalmente en el 2002 IDW publico la historieta de forma integral en un tomito. Vale aclarar que la única edición a color que existe es la de Columba, en USA se publicó solo en blanco y negro.

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